Exhibición impúdica 1: Ballad of John and Yoko

Venga, todos en pelotas.
No, mejor sólo yo.
Comienzo aquí y ahora una serie de micro-artículos donde voy a confesar memorias y recuerdos de índole musical.
Lo original, espero, estriba en quitarme laureles, exhibiendo mis fenomenales
patinazos, las estrambóticas causas que me atrajeron en su día hacia tal o cual
canción, o confesando impagables momentos de adolescencia desenfocada. Que para
ponerse medallas a uno mismo ya hay muchas bitácoras, y hora es de que alguien exponga, públicamente, sus puntos oscuros. O no tan oscuros, que ¿por qué no? hay muchas canciones que me han marcado profundamente y que vale la pena destacar (y si hay algo bochornoso y confesional que pueda acompañarla, no lo duden, seré impúdico y exhibicionista).

Será un paseo anárquico, espontáneo y dependiente de lo que por la red (y You Tube) consiga encontrar. Por tanto, esta serie irá dando saltos, no se pretende cronológica ni unitaria (salvo por un tono claramente ligero y más o menos biográfico), si bien, sigan leyendo, quiero comenzar por el principio.

Y si hay que empezar por alguna canción, si hay una que es la primera, el auténtico inicio de mi melomanía, es ésta(además:¿qué más impúdico para dar comienzo esta serie que dos jipis con querencia al despelote total?):

Los Beatles han sido mi primer contacto con el pop, y más concretamente mi infancia se liga a The Ballad of John and Yoko (grabada en Abril de 1969), que, hombre, no es canción para avergonzar a nadie (si bien los Beatles tienen como doscientas mejores) . Sin duda aquí hay gusto melódico, y se juguetea de un modo simpático con lo que hoy llamaríamos Americana, con esa slide traviesa.
Pero seamos francos: En lo setenta (supongo que hacia el setenta y seis, más o menos) yo no andaba para análisis musicológicos. ¿Cuál era el poder hipnótico de la Balada?.
Bien, la canción abría la cara B de un Lp que pululaba por casa, uno que en su día, antes de siquiera nacer yo, había sido abandonado en la bandeja del coche una tarde de crudo verano. El vinilo quedó así (sí, es él...en casa lo atesoro...sentimental que es uno)

Como se aprecia, una loncha difícil de escuchar, y en concreto el temita de marras sólo podía sonar, sin riesgo de que la aguja empezase a dar saltos como el caballo del Llanero Solitario, aplicándole unas cuantas monedas para hacer de sobrepeso ante las embestidas de los revolucionados giros del disco (y sus dobleces).
Vamos, que aquello no era música, era una jincana vinílica. Lo exótico, lo dificultoso de escuchar esa canción en aquel disco, hizo el resto y lo convirtió en banda sonora de mi tiernísima infancia.

Pinchen en la ventana y verán el bonito video del tema (sin ufrir las cabalgadas de mi viejo tocadiscos, se lo juro

(...y en una semana, hablaremos de sombreros. No se lo pierdan)

LA JOVEN DEL AGUA (Shyamalan) Y LA CRÍTICA (Dirigido por...)

Hace unas semanas en los comments (aquí) alguien me decía "No soporto ese rollo de sémásquenadiedecine" . Estoy de acuerdo y no me doy por aludido. Personalmente soy consciente de que siempre hay mucho que aprender, y por eso (y de ello sí que me vanagloro) suelo leer sin parar sobre las cosas que me gustan: leo revistas de cine, leo revistas de música, leo blogs de tebeos (pues prácticamente no existen revistas sobre historieta, o se detienen en un determinado tipo de cómic, lo que respeto pero no me interesa... en fin, seré ecléctico), leo libros de ensayo... y en esas lecturas aprendo, o cuanto menos me descubro apreciando puntos de vista o análisis que había pasado por alto. Es normal, yo disfruto el arte como espectador, aficionado, no como crítico a quien pagan para analizar la obra. No digo que la crítica deba influir en los gustos de cada cual (¡cuántas veces me han vendido como bueno algo que no me gusta, y viceversa!) sino reconocer los méritos de quien los tiene, y ser lo suficientemente humilde para reconocer, aún, la capacidad para aprender.
Todo lo anterior viene al caso para apuntar que acabo de leer un enriquecedor artículo de Tomás Fernandez Valentí en la revista Dirigido por (nº 359, Septiembre de 2006), sobre La joven del agua, del que saqué varias ideas que, por cierto, confirman mis muy buenas impresiones sobre este cuento para adultos. Comenzamos pues a destripar los conceptos apreciados por Valentí:

Hay en esta película valores cinematográficos, aparte de la proverbial habilidad de Shyamalan para insertar atmósferas enrarecidas en ambientes mundanos, que la hacen una de las cintas más interesantes del reciente cine comercial. Así podría resultar curioso en el autor de "El sexto sentido" el prólogo, pues ya aquí, desde el principio, situa su nueva cinta en el mundo de los cuentos infantiles. Paradójicamente, si este tono fabulesco parece nuevo en el americano-hindú, la verdad es que ya se encontraba en todas sus anteriores cintas: en cualquiera de ellas vemos ese sentido de fábula como "ficción artificiosa con que se encubre una realidad" (Valentí dixit... como todos los entrecomillados), así "el director se siente atraido por lo que se esconde de manera implícita dentro de la realidad explícita".

Ahora, lo mejor de La joven del agua, advierte Valentí, es comprobar que si bien otra vez asistimos a la colisión de lo mundano y lo increíble, aquí, y gracias a la planificación y los recursos cinematográficos, hay una inversión. En este sentido, el personaje mágico, el hada-sirena, es el personaje que actúa desde la normalidad y la sensatez, al menos las que se supone a su raza y a la "lógica ancestral" de su universo acuático y maravilloso (acata sus reglas, por absurdas y naive que nos resulten a nosotros). Por contra, los habitantes de la comunidad de vecinos son verdaderos freaks, párásitos o alienados sociales de su mundo (que es el nuestro, y por tanto -es un decir- el que sería lógico y normal).

Esta idea, este contraste, se potencia, no sólo sobre el guión, sino, y aquí las bondades del director, con la planificación cinematográfica. De este modo las escenas que en el papel son las "normales" tienen una atmósfera irreal, y otras de pleno fantastique son planificadas con sobriedad realista. El artículo apunta alguna de estas escenas, así ejemplo de lo primero es el largo plano medio que nos presenta a Heep (protagonista encarnado por el siempre brillante Paul Grimatti), mientras que la iluminación realista y la planificación sobria de la entrada de éste en el mundo acuático y maravilloso de Historia (nombre de la ninfa) atestigua lo segundo.

En definitiva, Shyamalan, con ardides de cine puro y sin redundancias de guión, cuestiona y mixtura ambos mundos, ambos conceptos (el realismo casi sucio y el fantástico), y difumina fronteras.

A lo que yo estodigo:

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LA MALA GENTE, de Etienne Davodeau

Cada vez es más frecuente encontrar en el mercado tebeos que desafian los clichés y abordan sin miedo temas que, al menos a quien no sabe del noveno arte, parecen impropios de un cómic. Esa valoración apriorística y prejuiciosa es una majadería, dado que en el fondo, y como la literatura, el cine o el teatro, los cómics son una forma de narrar. Narrar cualquier cosa, con cualquier acento o intención, y se puede hacer peor o mejor, y si es buen o mal tebeo no lo es por su tema, lo será por cómo lo cuenta…aunque lógicamente a los que tenemos unos añitos nos van a interesar más unos asuntos que otros (nostalgias de niñez aparte).
Hace poco le comentaba a un sindicalista de toda la vida sobre La Mala Gente, su contenido. Pero nada más verlo, me comentó: “Ah, no…son dibujos…no me gustan”. Peor para él, porque La Mala Gente es un interesantísimo documental gráfico (como lo describió con acierto Tirafrutas) donde Davodeau plasma sobre el papel un trabajo periodístico (partiendo de declaraciones de sus propios padres y otros trabajadores de la industria francesa) sobre el proceso que lleva de los abusos patronales en los años cincuenta hasta la sindicación obrera, llegando hasta el ascenso de la izquierda al poder en 1981.
Centrado en la región de Los Mauges, se relata, y nosotros aprendemos con su lectura, el poderoso influjo de la iglesia católica progresista y obrera en la concienciación social de la clase trabajadora, y a través de un dibujo precioso y de gran vistuosismo asistimos a un relato coral y social, pero contado en primera persona.
Es ahí donde Davodeau gana la partida. Si del planteamiento podría resultar un cómic monótono y demasiado frío, la aproximación sincera desde la figura materna (y parterna) arroja un cariño por lo contado, una implicación emocional más adivinada y sentida que explicitada o redundante. Lo mejor de La Mala Gente, en este sentido, no es lo interesantísimo del tema, o el dominio del dibujo de su autor, sino esa humanidad tremenda que pesa por encima de lo narrado, bendiciendo esta obra con un calor hogareño, palpable y real, que se sobrepone a una narrativa fría y convencional, muy francesa, que hace incapié en ser descriptiva, sencilla y “util” al tono de lo narrado. Eso sí, grande es el mérito del dibujante, que con su capacidad para captar gestos y expresiones, logra ese calor del que hablamos.
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BUILT TO SPILL-You in reverse

Cuando, a mediados de los novente el indie patentado por Pavement y extendido por todo el mundo comenzaba a mostrar signos de fatiga, un trío de Idaho capitaneado por un barbudo algo calvo supo mantener su llama viva y fulgurante.
Buit To Spill son uno de los secretos mejor guardados de la escena alternativa yanqui, una banda siempre a la sombra de nombres más inconsistentes que, sin duda, va mereciendo su justa reivindicación. Y para ello nada mejor que argumentar con You in reverse, nuevo trabajo de Doug March y amigos tras cinco años de silencio (y algunos discos anteriores calificados por quein los ha escuchado de tibios).
Goin’ against your mind es el primer tema, y marca el camino de todo el album con su rock robusto, sus melodías pegadizas, magníficas, y su voluntad investigadora que lanza la canción a la búsqueda de caminos angulosos, paisajes mansos y turbulencias sonoras en un sorpresivo crucero de nueve minutos que se hacen cortos.
Luego, nueve temas más que siguen buscando la melodía perfecta, la experimentación sin concesiones a base de increíbles cambios dentro de la misma canción, el elogio a la guitarra como núcleo y razón de ser en el rock (con aires hard muy setenteros y ambientes robados a un sueño del mejor Hendrix), esencias de los Pixies más melódicos y efluvios del post-rock de mediados de los noventa.
Se puede decir que estamos ante el sucesor de su Perfect from now on (1997), del que conserva la voluntad de experimentar, pero si entonces se reforzaba un cierto aire orgánico en todo el disco, aquí estamos claramente ante un Lp de canciones (abruptas, extensas y desdibujadas, pero canciones) donde se une a tres bandas, la voluntad de ir más allá del rock convencional (requiere un esfuerzo hacerse con canciones como la angulosa Wherever you gone), de restituir el trono del guitar hero eliminando todas las connotaciones ridículas que le acompañan desde los setenta (más cerca por tanto de Television que de los peores Led Zeppelin) y de esconder bajo todo ello algunas de las melodías más bellas del año (Conventional wisdom o Liar simplemente embriagan).
Hay un pero, una Mess with time donde la osadía naufraga al buscar la inspiración donde no la podían encontrar (en un cruce malogrado de aires hispanos de lo más “olémachotoreador” con ska… pero bueno, habrá quien vea aquí una válvula de escape, una posibilidad de futuro… va en gustos, supongo).
Un pero frente a nueve aciertos (con dos o tres cumbres de esas que pocos pueden alcanzar) no es mal saldo, ¿verdad?
UUUUU

damas y caballeros: Seth

Si alguien me pregunta por mi autor de cómics favorito, posiblemente rehuya la cuestión hablando del tiempo, o algo así. Pero si insiste, podría dar cientos de nombres atendiendo a muchos aspectos. Si pienso en autores que trabajen sin ataduras genéricas, que pergreñan cómics de alto y profundo contenido, para un lector plenamente adulto, culto y que prefiere que la ficción le aporte algo más que un mero entretenimiento, que le plantee un posicionamiento vital personal, una filosofía autoral de la vida y el arte (que es un modo de ver la vida, en cierto sentido), entonces uno de esos nombres es Seth.
Seth es uno de los muy grandes, y en sus palabras se ensancha la visión que un lector puede tener de los tebeos y sus capacidades artísticas.
Damas y caballeros, Seth al habla:

-Muchos poemas son casi cómics en palabras. A menudo los cómics se relacionan con el cine y la prosa –en ninguno de los dos casos me parece apropiado. La conexión con la poesía es más apropiada, tanto por la condensación de las palabras como por el énfasis en el ritmo.

-(en el cómic) hay un ritmo inherente creado por cómo dispones las viñetas. Viñeta estrecha, viñeta estrecha, viñeta ancha: este ritmo lo siente el lector, especialmente cuando pones las palabras dentro de las viñetas. Cuando estoy escribiendo un cómic, estoy muy atento a como estructuro las frases: cuántas palabras; una frase en esta viñeta; dos en esta; una viñeta muda; una única palabra...

-La condensación de la experiencia de la vida real en una página de cómic es la auténtica esencia de lo que significa hacer cómics. Las decisiones tomadas sobre cómo condensas esa información y cómo la organizas para contar una historia es la esencia de lo que es en sí ser artista de cómic. Si quieres contar una historia acerca de cómo te has levantado esta mañana y has ido a trabajar, hay un gran número de elecciones que podrías tomar para contarlo en forma de cómic

-Las “palabras y dibujos” que conforman el lenguaje de los cómics a menudo son descritas como prosa e ilustración combinadas. Una mala metáfora: poesía y diseño gráfico parece más apropiado. Poesía por el ritmo y la condensación; diseño gráfico porque la historieta es más sobre mover con las formas –diseño- que sobre dibujar.

-cuando el observador “lee” una historieta, está ingiriendo la información de la misma manera que cuando está leyendo un texto. Toma las palabras y los dibujos icónicos condensados y procesa esa información para dar vida a la historia, muy parecido a lo que hace cuando lee las letras impresas de una novela (...) Tú no miras un cómic –lo lees. Incluso si no hay palabras en la historia, estas leyendo esas viñetas: son todo pequeños bloques de información.

-La historia de la historieta es en su mayor parte una historia de mediocridad. Ha habido unos pocos artistas de gran talento que sufrieron vidas de deseo frustrado tratando de aplicar sus aspiraciones a un medio forzosamente comercial, un medio en perpetua adolescencia. Pero sobre todo ha sido un campo dominado por una enorme cantidad de gacetilleros de pequeña mente agitando resmas y resmas de material de segunda fila (novena fila, en realidad).Como el cine y la fotografía, que finalmente se libraron de los prejuicios del mundo del arte, recientemente los cómics han empezado a salir a la luz.

La entrevista, entera y con maravillosos ejemplos visuales, aquí, en Entrecomics.
Por favor, no os la perdáis...será una lectura de diez, quince minutos...y saldréis más sabios (incluso importándoos un pito los tebeos; aprenderéis de arte).

CONCRETE, de paul Chadwick

Un hombre es víctima de un encuentro con entidades extraterrestres. Experimentan con él. Lo transforman, transplantando su cerebro a un enorme cuerpo de piedra. Adquiere consecuentemente una fuerza y resistencias sobrehumanas, así como una visión excelente (una “supervisión”, vamos). Ya tenemos otros superhéroe, ¿no?. Bueno, más bien una copia de un superhéroe de los sesenta ¿verdad?.
Pero Chadwick sólo utiliza este argumento de serie Z como punto de partida. Y magia potagia, Concrete resulta un tebeo intimista, una búsqueda de las claves que nos ayuden a entender lo que es ser humano, vivir, sentir. Y a hacerlo en un mundo y una sociedad mercantilizados en extremos surrealistas.
Concrete es por tanto una mirada a ese mundo de plástico, tarjetas de crédito y poderes mass mediáticos que desborda lirismo gracias al gran acierto del autor al componer su personaje: Concrete puede tener grandes poderes, pero son sus carencias las que lo definen y le hacen valorar el mundo: Carece de ese caracter semifascista que impulsa los actos de los suerhéroes, o del ímpetu de una violeccia escondida en unas mayas y amparada por grandes poderes... porque bajo ese cuerpo de cemento sigue siendo un hombre como no lo son, casi nunca, los cientos de superhéroes que pueblan las viñetas.
Carece del sentido del tacto, y del gusto, y también carece de sexo (que no de sexualidad). Es un muro andante, privado del don de ser sensorial… salvo, lo hemos apuntado, su vista prodigiosa, que le permite conocer un mundo de maravillas micro y macroscópicas, ver las estrellas de un modo único, hundirse en océanos abisales y allí observar, admirar faunas por descubrir. Concrete es, por fuerza, lógica y necesidad (de vivir, de mantener la cordura) un ecologista sin discurso, un enamorado de la vida al que se le priva, en cierto modo, de estar completamente vivo él mismo.
Ese entendimiento nuevo del mundo le mueve, en este primer tomo de la integral que recopila sus historias, a buscar retos como atravesar a nado el Atlántico y otras gestas que les dejo descubrir en un tebeo distinto, personal.
En el apartado gráfico, señalar que Chadwick es un muy buen dibujante, osado creador de logradas composiciones de página, inventivas pero nunca vacuas o simplemente epatantes, ya que están siempre al servicio de lo contado.
Como debe ser, vamos.
un ejemplo de la narrativa, orgánica y cuidada, de Chadkick

Ah, la edición, me gusta, y mucho, con su elegante diseño y ese aspecto de “libro de verdad” que empieza a ser el modelo de moda en los últimos años. 12 euros para 208 densas y jugosas páginas en perffecto blanco y negro (el color no le favorece demasiado al dibujo de Chadwick) es un buen negocio.
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...como en el cine

En internet se está viendo cada vez más para publicitar cómic pequeños trailers, atractiva manera de atrapar la atención del posible lector.
De ejemplo les dejo es de "Le sang des porphyre"(por supuesto aún inédita en España) del magnífico guionista Balac. Pinchando en la imagen entran en la página donde pueden ver el trailer.

Personalmente, me parece un modo sugerente de hacer publicidad, ahora a ver si se exporta (como ven, el anuncio se aloja en la editorial...sería bueno que lo hiciera en, no sé...un periódico, un portal de deportes, o de libros... en otro sitio, vamos)

(leído en LaBD, blog sobre tebeo europeo necesario para estar al día)

Sandman nº 4

Ya he colgado la correspondiente enrada al nuevo número de Sandman, donde siempre. Entren en el blog de Morfeo pinchando el retrato.
Por cierto, es un número imprescindible (para más info, en "Sobre Sandman")

UNA HISTORIA DE VIOLENCIA, de David Cronenberg

Comienza todo con una secuencia fenomenal, rodada con esa sequedad y economía propia de la serie negra más clásica. Y Una historia de violencia mantiene ese tono de clásico menor, de serie B agazapando una obra maestra.
Francamente, nunca creí que esta cinta fuera a cautivarme así. Siempre tenía el pálpito de que sería más que correcta, claro (la avala un director de los más lúcidos del siglo XXI), interesante, pero nunca una obra maestra. Pero resulta que Cronenberg ha dado otra campanada triunfal, sin renunciar a sus señas, a su lenguaje limpio, a su forma de rodar aparentemente invisible pero en realidad marcando estilo. Ha vuelto a brillar para darnos las claves, sus claves de lo que está en la raíz de los Estados Unidos de América (tan cerca de su Canadá natal, y evidentemente distantes), raíz que se hunde en la violencia como seña de identidad.
Pero además Cronenberg consigue harmonizar este contenido, toda su disertación sobre el verdadero y sórdido motor de esa “américa profunda”, así como la recuperación de un cierto cine (el noir de serie B clásico, que decía antes), con su discurso universal. Porque la violencia que anida en el fondo de los protagonistas actúa como detonante, vírico, que desenmascara un nuevo ego, sustituto del aparente. Como en La Mosca, vamos, pero ahora la nueva carne que transforma en nuevo ser resulta ser la naturaleza real, dormida. Poco más cambia. La violencia (seca, brutal en su plasmación) revela al nuevo ser (Vigo Mortensen está brillante en su transformación, que diría casi física), destruye el ego y triunfa, en una sencilla historia donde un hombre tranquilo esconde un pasado asesino.
Al final el estatus quo de la Familia Americana aceptará al monstruo (lo es, como lo era la horrible Brundle-mosca, aunque no precise de maquillaje y látex para manifestarse) en una de esas escenas brutales a las que Cronenberg nos tiene acostumbrado, aunque ésto es mucho decir: Su tremendo impacto nunca es menor por más que presentimos que, como siempre en su cine, acaba por llegar (recuerde el lector el terrible final de Inseparables, la angustia terminal de Crash, el horror y la desazón en La mosca, o la muerte terrible que cierra M butterfly).
En fin, otra obra maestra, otra de esas escasísimas cintas que no se van, como humo, a los pocos minutos de haberla visto, sino que permanece para hacerte reflexionar, sentir. Y amar aún el cine, pese a los malos tiempos para la lírica.
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HISTORIA DE CYANN 3: AÏEÏA DE ALDAAL, de F. Bourgeon

Bourgeon es un autor que fue celebrado por su mirada escrupulosa a la historia. Sorprendió en los finales setentas sus Pasajeros del viento (su primer trabajo como autor completo), como luego fascinó su recreación del medievo en Los Compañeros del crepusculo.
Su última obra es un trabajo de ciencia ficción pura y dura, donde el autor, auxiliado al guión por Lacroix, explora mundos y sociedades inventadas (se dirían de un lejano futuro donde la humanidad ha conquistado el cielo) con idéntico amor por el detalle que demostró en sus recreaciones históricas: Lo mejor del Ciclo de Cyann es ese dibujo virtuoso ante el que es dificil no caer embobado (y quienes preferimos a un buen narrador, Bourgeon no falla, sabe su oficio). Cada plancha de este tercer libro (que puede ser una lectura autónoma de los dos que lo preceden, o prácticamente) asombra y sorprende, y en ello se disfruta al francés. Poco más.

Porque, y eso ya sucedía en los dos anteriores, lo peor del último Bourgeon es esa sensación de que no nos cuenta nada, sólo, a la manera de esos reportajes de viajes con famosillo ante la cámara, aprovecha una excusa argumental para perderse en su detallismo, llevarnos de la mano por la geografía, la flora, la fauna y la antropología de mundos de ficción. A veces intenta engancharnos con recursos de guión, apuntes sensibles, escenas de acción. No lo consigue, porque hace tiempo que este paseo cósmico nos ha aburrido.
Como mucho, el viaje es soportable si aceptamos el juego que nos propone y en el que no se precisa (o el autor desestima) un guión trabajado, un argumento que atrape o unos personajes sólidos. No los busquen, ésto sólo es un “falso documental”, punto. Asómense a las ventanas para ver paisajes maravillosos y no pidan más: entonces entenderán y disfrutarán del viaje. Bueno, lo disfrutarán si consiguen obviar el erotismo patatero, recalcitrante, cansino y fuera de tono del que hace gala la obra.
En definitiva, estamos ante un Bourgeon que sigue dibujando como los ángeles, pero que se muestra aburrido, vacío e incluso irritante (lo repito, ¡ese erotismo vacuo, esos diálogos pretendidamente provocadores!). ¿Dónde está el autor de El último canto de los Malaterre o Isa?. Veo, reconozco (y se supera… ahora sólo le falta dibujar bien los rostros, algo en lo que nunca destacó y en lo que ha empeorado) al ilustrador…pero ¿qué fue del contador de historias y personajes que sientes como personas?
Pues como hace meses (aquí), tras leer este cómic releí El Eclipse Azul. Busquen al mejor Bourgeon en esta saga (Los compañeros del crepúsculo), que confirmo como una obra maestra, y por ser bondadoso con quien tan maravillosa lectura me ha dado, concluyan que los males de Cyann y su descafeinado periplo universal habrá que atribuirlos a la perniciosa influencia de Lacroix. Es un consuelo, porque la otra opción (más probable) es pensar que el francés se ha perdido en su propio virtuosismo.

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11-S

El de ayer es, ha sido y será un día para recordar el espanto.
Cuiosamente, el gran Liniers toma connotaciones del horror para, en fecha tan señalada, construir en su blog (de obligada visita si no diaria al menos asídua)una pieza de belleza,poesía y sonrisas partiendo de mimbres similares (las edificaciones verticales y su fin).
No sé si ha sido premeditado, si el autor tenía muy presente la fecha y las siniestras torres... pero me parece una preciosa forma de reconducir conceptos que asociamos al horror hacia terrenos de amable lirismo.Bravo

BALAS PERDIDAS, de David Lapham

Resulta increíble la capacidad de Lapham ya no de mantenerse sino de conseguir superarse número a número de Balas Perdidas.
Nacida en 1995, autopublicada por el propio autor, Balas Perdidas se demuestra el vehículo personal de un joven a quien dibujar historietas de Superhéroes no le llenaba en absoluto y que decidió, llegado un momento, autopublicarse breves historias autoconclusivas (que ahora vuelva a hacer héroes empijamados me refrenda… en "Balas" Lapham ya ha expresado mucho y muy personal, así que vuelve a divertirse donde le pagan bien).
Aviso a novatos: Balas Perdidas, aunque se edite ahora (por La Cúpula Editorial) en tomos, obedece al esquema clásico de tebeo mensual de 24 páginas grapadas, y cada número completa una historia, para saltar en el siguiente a otro personaje, otra época, otra vida… en apariencia, ya que pronto el universo Lapham se desvela coherente, formando la serie un universo coral donde las historias y las vidas se entrecruzan continuamente. Hasta las historias más escapistas y fuera de tono tienen su lugar en el puzzle que lentamente se forma ante el lector, número a número.
Su técnica es curiosa, básica, y aparentemente constreñida: dibujo tosco y en blanco y negro, páginas de férrea construcción (2x4) que se rompe en espectaculares viñetas panorámicas o página-viñeta para los estallidos, los nudos de la historia.
Un ejemplo de la férrea narrativa de Lapham

Luego está la historia,lo que se cuenta. Duro, muy duro: Lapham nos retrata personajes que viven al límite, perdedores sin suerte, inocentes sin futuro, delincuentes fríos… una visión del mundo amarga y desesperanzada que conforme avanza la intrincada historia se ve perfectamente construida, pivotando sobre todo en torno a la niña Amy, un universo de inocencia y abismos que apenas intuíamos. Hasta ahora.
En su quinto tomo, llamado Días negros, la obra, lejos de mostrarse cansada, acomodaticia o repetitiva, da un salto cualitativo al centrarse en cada uno de sus capítulos (repito, realmente números de una serie regular) en Amy, centro de todos los puntos de vista que Laphan retrata, saltando de personajes y rompiendo la linealidad, escondiendo o revelando detalles a su antojo, con maestría, buscando en un turbulento asunto de desapariciones, secuestros y vejaciones la causa real de los trastornos y necesidades que muestran no sólo la chiquilla, sino todos los que de un modo u otro tienen contacto con ella.
Impresionante tour de force de un autor con su propia obra, Lapham ha llevado sus Balas Perdidas tan alto que ya da vértigo mirar, no hacia abajo, sino hacia el futuro. Así uno se pregunta si esto es un techo o si una vez más se trata de un trampolín para seguir subiendo.
En definitiva, casi una obra maestra y uno de los cómics del 2006.
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ocho mil y subiendo...

Bueno,¿qué puedo decir?
8000 visitas ya, ha tenido esta bitácora...
¿Estáis locos?.
En fin, qué menos que señalar tamaña cifra... para ello me lancé a la calle mayor (esto es, Google) a reclutar un coro de niños querubines que posaran primorosos en una bella postal de agradecimiento: sólo me topé con estos mastuerzos, y así salió la foto.













Angelitos...



Bueno, ahora en serio les digo que me aturden, me abruman, y me honran con sus (definitivamente asiduas) visitas. Porque este blog, pequeño y humilde, ya lo saben ustedes, nació como simple vehículo para mantener contacto con amigos y familia de lejos: Azu, Guille, Toni, Gorka, Juanma, Yahel, Alex, El Nota... Euskadi, Madrid, Estados Unidos, Chile, Lugo...
Realmente, que otras gentes me lean, partiendo del hecho de que yo soy un completo anónimo (no trabajo en prensa, no tengo nada que ver con el negocio de la música o los cómics, y mucho menos con el cine... sólo soy un ciudadano, un anónimo que siente, piensa y lo escribe), sin referentes, sin nombre propio (que dertás lo hay, pero les va a decir lo mismo que ese ridículo "señor punch") que tenga visitas asíduas, que me conesten en los comments (y siempre con gusto y educación, y siempre aportando algo...gracias, muchas gracias), de verdad que me sonroja. Debo ser majete, en el fondo...
A todos, gracias.
Ocho mil gracias.

SONIC YOUTH:Rather Ripped

Entre 1984 y 1988, y tras un par de discos de tanteo, Sonic Youth reventaron las leyes de un rock que, como siempre y en ciclos que siguen repitiéndose, parecía muerto, adocenado, cómodo en unos clichés que lo convertían en mera burla de lo que siempre se supone que debe ser. El rock nació como una bomba de relojería en la sociedad americana de los cincuenta, era una música peligrosa, obscena, mestiza, ruidosa, un escupitajo a los melismas aborregantes que defendían las emisoras más convencionales y defensoras del estatus quo.

Sonic Youth sonaban así para unas orejas de los primeros ochenta: un desafío ruidoso, incontrolado, salvaje y a la vez demasiado artie para ser “otro bufido adolescente”.

Anestesiado desde los Sex Pistols el poder del rock como revulsivo social, reducida su lucha a lo estrictamente musical, Sonic Youth sabían que lo suyo no cambiaría el mundo (ya lo habían intentado, sin éxito, la no-wave y el hardcore), pero dejaría marcada la musicología a fuego. Discos como Evol son ejemplo perfecto de cómo una comunión entre el punk, la psicodelia, el ruido, la violencia y las pretensiones artísticas podía darse en una múscia que no renegaba de su condición: por entonces había pocas bandas tan excitantes, tan adrenalínicas como el cuarteto neoyorkino. Rock.

Desde Daydream Nation (88), Thurson Moore y compañía se han dedicado a moverse en traslación sobre su propio sonido, siempre identificable pero mutante de disco a disco, de modo que, si hoy ya no van a reventar los márgenes de la música actual, siguen viajando en su propia nave, a su bola, ajenos a coyunturas, seguros e su propio bagaje. Y a juzgar por Rather Ripped, pueden seguir así muchos años.

Jim O’rourke (figurón del post-rock y la vanguardia, productor de lujo de los noventa) se adhirió al grupo en una fenomenal trilogía, y ahora ha decidido abandonar la nave (dicen que para estudiar ¡japonés!), y eso se nota en el nuevo disco de SY. Suena fresco como nunca, melódico, inmediato y tarareable. Hay poca distorsión, casi ninguna caída en sus ya clásicas espirales de ruido y velocidad, escasos pasajes instrumentales.

Rather Ripped es rock (aparentemente) espontáneo. Hay tal calidad y frescura en estas doce canciones, que deberían sonrojar a tantas bandas-fotocopia sin alma que es mejor no empezar a dar nombres.

Sí, mucho mejor es disfrutar de pedazo-canciones redondas como Incinerate, What a waste o The Neutral, o de las atmósferas de Do you believe, la enigmática Or,o la embestida sónica escondida en Turquoise Boy(ejemplos que demuestran cómo ceñirse al formato rock convencional no está reñido, al menos en manos de la Juventud Sónica, con seguir explorando texturas, sonoridades…).

Aún grandes. De cuatro estrellas.

UUUUU

...que tengo de tó: Bone flash

Lo tenemos para todos los gustos: Bone en blanco y negro...

...o Bone a color.
Bien, si este tebeo excelete, que encantará a todos, desde niños hasta adultos, nació y fue concebido en blanco y negro, yo reconozco que siempre me pedía el color, por su suave dibujo, por su tono humorístico y aventurero.
En todo caso, ya se puede encontrar en ambas versiones, la original, editada por Dude en tebeos de grapa, y los tomos a color que sacará en breve Astiberri, este septiembre (quien editará también la obra entera en tres gruesos volúmenes de luxe, en blanco y negro).
La editorial prepara para el lanzamiento de Bone (tebeo con grandes posibilidades comerciales) una campaña publicitaria casi sin precedentes (lean aquí sobre el asunto), entre cuyas acciones está la de regalaros el primer capítulo completo: "El Mapa", que os podéis descargar a vuestro ordenador desde la página de la editorial Astiberri para leerlo cómodamente en vuestro ordenata(os lo recomiendo, veréis qué delicia de cómic).
En breve, y si me acompañan el tiempo y las ganas, nos detendremos un poco en la saga de los narizones perdidos.

Las imágenes han sido amablemente robadas de este blog, donde el colorista cuenta el proceso.

despertando "Sobre Sandman"

Acabo de colgar una breve semblanza del dibujante Sam Kieth, con motivo de su marcha de la serie (que ilustró durante unos cuantos números).
Como siempre, es cosa de pinchar en el retrato para llegar antes al sitio.

Cualquier tiempo pasado es…pasado (UN HOMBRE EN CASA)

Uno es de los que piensa que en eso de las artes las cosas o son, o no son, per se. Buenas, o no.
El tiempo, ese aliado de la pedantería adocenada, no hace con un cuadro lo que sí consigue con un vino. Un libro, una película... no mejoran con los siglos. En todo caso, eso sí, cobran importancia, son testimonio de una época, de una forma de entender las cosas.
Estas ideas me han venido divagando sobre esa “escuela de pensamiento” que siempre pone en el altar ciertos productos del pasado, los asume como magistrales, insuperados etc., y se diría que el principal criterio es cierta enjundia que, se supone, le da el tiempo a esa obra. Pues no.
Seamos provocadores: Yo Claudio, la serie de la BBC, es enorme pero ambién tiene garrafales fallos (ramplona la dirección, personajes –esa Lidia mala mala, que ni Ángela Channing- excesivamente planos...), King Krimson son muy, pero muy inferiores a Jesus and Mary Chain, y Sin Perdón supera con creces a muchos westerns supuestamente clásicos (que son superfficiales y, peor, aburridos) de la edad dorada del género.

Todo lo dichol es para apuntar que a veces lo antiguo...SÍ que es genial, brillante, inmarchitable.
El sábado, a unas horas disparatadas, emiten en cuatro Un Hombre en Casa, telecomedia de las grandes, de las clásicas, con treinta años a sus espaldas pero fresca casi como el primer día. llevan emitiéndola tiempo, ya, pero yo, desastre, lo recordé aún este finde.Más vale tarde...
¿Y cómo se ve hoy esta telecomedia?. Los inevitables cambios en la mentalidad de estos años podían hacer temer que su propuesta (la comicidad de un tío viviendo con dos tías) había quedado obsoleta. Pero no, o cuanto menos, no importa. Porque es un prodigio de guión, un modelo de buena comedia de situación, con personajes creíbles, divertidos, esperpénticos, cercanos o imposibles, y todo casa en unas historias francamente, y aún hoy, divertidísimas.
En comparaciójn, casi cualquier serie de humor acctual es mediocre, sobrecargada de clichés y menos sutiles que un martillo.
Y luego, claro, están Los Ropper, secundarios de lujo que superarán en fama con su propia serie a ésta en que nacieron... pero eso es otra historia.
en definitiva ni lo duden: programen sus vídeos, rastréen la mula... lo que sea, pero recuperen Un Hombre en Casa. Yo me he sorprendido (y ya ni hablo de los recuerdos de infancia que me provoca, que es otro tema).

Nota: No me atrevo a puntuar con dos capítulos...pero imagínense una puntuación muy muy alta.

esto-dicen de ALATRISTE

No he ido a ver Alatriste, la recreación cinematográfica de la saga de época de Pérez Reverte. De hecho, tengo muy pocas ganas de verla. Es más, no voy a verla, salvo cuando salga en DVD, si tal.
Por eso, y como he recibido correspondencia de un amigo al respecto, les dejo con otra voz, la del juicioso Toni, que sí se ha rascado el bolsillo y opina al respecto.

Hola triste Alatriste.

Toni al habla (y dejando temas sustanciosos para debatir, por cierto... sería interesante que este post lo completaseis quienes habéis visto la peli de Díaz Yanes en los comments):

La Gran Superproducción española es para el que leyó las novelas una sucesión de cortar y pegar sin ritmo ni concierto ni coherencia. Para el que no las leyó, no creo que se entere de la mitad. Lenta, correosa, con dirección de actores mediocre (salvo a Javier Cámara como Olivares y a Eduard Fernández, que están espléndidos).

Es una muestra más del drama del cine español, donde una crítica complaciente y cómplice, que no le pasa una a los USA pero aquí consiente todo, ha convertido Mar Adentro en un clásico y este bodrio en otro. ¿tendrá que ver que en ambas participa PRISA en la producción?.

MÁS ALAS TRISTES: Pepo Pérez (crítico
y dibujante de tebeos)saca a pasear también hoy al Capitán Alatriste en su blog conCdearte, y varios
comentarios lo sedundan dando diversas opiniones sobre el artefacto.En
definitiva, más puntos de vista