29 junio 2007

CRIATURA MALDITA, de Hideshi Hino

Artículo publicado en la web de Mazingervigo



Hino es uno de los principales referentes del manga adscrito al género del terror. En Criatura Maldita asistimos a la respuesta a una malsana pregunta: supongamos que el cuento tradicional ha muerto, y que el cadáver resucita cual pútrido zombi de serie B, ¿qué obtendremos? Pues sin duda algo como este cómic donde el horror retuerce una historia infantil, la pervierte y convierte en una parábola sórdida sobre la maldad inherente al ser humano, su desprecio por lo diferente y lo marginal.
La vida de una niña monstruosamente deforme que es abandonada en un vertedero sirve a Hino para plasmar escenas de una crueldad y visceralidad (de vísceras) nada timoratas, un relato al mismo tiempo de gran lirismo, pese a la crudeza de algunas escenas, donde la belleza surge de dentro del horror, la descomposición, lo hediondo. Criatura Maldita es un cuento malsano, el cadáver de aquellas bonitas historias morales para infantes, redivivo y convertido ahora en un amasijo pútrido que persiste en su afán moral, pero desde una óptica donde a la poesía se llega mediante el crudo espanto.
El dibujo potencia los candores del tópico nipón con sus trazos sencillos y redondeados para noquear al lector con el relato triste, intenso y cruel de una niña monstruosa, crecida en un ambiente imposible (un enorme basurero municipal), condenada por una sociedad más horrible que ella todavía.

25 junio 2007

EL SEÑOR JEAN: HORA DE HACER BALANCE, de Dupuy y Berberian

Artículo publicado en Mazinger

Lo cotidiano como centro de atención, la vida sencilla, y por tanto la más compleja de las aventuras, es el eje sobre el que pivotan los álbumes de este escritor treinañero (seis ya, todos editados por Norma, y añadamos un tomo extra, en blanco y negro, editado por Bang). Historias de amor, de amistad, de trabajo, de compromiso. Anécdotas sencillas desde un prisma amable, directamente humorístico en sus primeros álbumes y que se van tiñendo de reflexión y hondura, incluso de amargura y cierta derrota, libro a libro.
Historias de indigestiones, de viajes a Lisboa, del encuentro del amor, de amigos-desastre, de cómo ser padre, de insomnios…La vida de alguien que se nos antoja cercano, en definitiva, reflejada con un dibujo precioso, caricaturesco, de inicios directamente emparentados con la línea clara y que, a la altura de su cuarto álbum gana en espontaneidad y eficacia (Vivamos felices sin parecerlo, un cenit en la serie y una obra maestra de la historieta gala).
Norma acaba de sacar su sexto título, Hora de hacer balance. Hay una mudanza, hay una caja con cosas difíciles de tirar, hay unos vagabundos en la esquina de abajo, hay una mujer y un hijo, hay, como siempre, un escritor que convive con su imaginación desatada. Quizá al que ya conozca la serie esta nueva entrega le resulte poco sorpresiva, pero en conjunto Dupuy y Berberian siguen creando una historia llena de lugares reconocibles, generacionales. El retrato de una vida común que recuerda la de cualquier “treintaytantos” que, seguro, disfrutará con las pequeñas/grandes vicisitudes de Jean y su círculo de cercanos.



Más Jean en Estodigo aquí

22 junio 2007

SCOOP, de Woody Allen



Tras un Match Point que a nuestro juicio volvió a hacer brillar a Allen a gran altura, no teníamos ganas de dejar pasar demasiado tiempo para ver Scoop, su siguiente film londinense y otra vez con la que parece su nueva musa, Scarlett Johansson. Es evidente que pese a repetirse algunos elementos de su precedente, como el paisaje humano en que se desarrolla el relato (alta sociedad inglesa), aquí nos encontramos con un sencillo entremés, una cinta hecha en camaradería con la nueva rubia de oro con un propósito de divertimento privado. Aceptado esto, podemos relajarnos en nuestra butaca y disfrutar del juego.
Johansson quería, tras la experiencia previa, trabajar con un Woody Allen tópico y de cliché: quería un capricho, hacer una comedia made in Woody Allen y quería actuar junto a Woody. Y como parece que hay química entre actriz y actor/director, éste le concede, cual genio de la lámpara bajito y gafotas, su gran ilusión, de modo que aquí tenemos una ligerísima comedia protagonizada por la chica y Allen, un enredo paranormal donde el fantasa de un periodista contacta con una estudiante dde periodismo bastante torpe e ingenua para que investigue un caso de asesinatos. Al tiempo, Allen interpreta a un mago de tercera que ayuda a la joven y cuyo peso en el relato es mínimo, obedeciendo pues a los deseos de Johansson de actuar junto al director, en uno de sus típicos papeles humorísticos (que personalmente siempre me hacen reír... son manías, otros prefieren a Ben Stiller, allá cada cual).
Bien, evidentenmente esto es un pasatiempo, tan liviano como eficaz, rodado con estilo y sabiduría (qué menos) y perfectamente interpretado, porque Allen es un enorme director de actores. Poco más se le puede pedir, poco más nos ofrece, y así, todos salimos contentos y esperando, eso sí, que pronto Allen nos regale una cinta a la altura de Match Point.

20 junio 2007

by by, carabirubi

tres verdades en estodigo:

  1. que sí, tengo un disco de él, en vinilo, y no explicaré aquí las circunstancias del hecho.
  2. que efectivamente no estaba entre mis artistas favoritos, al contrario
  3. que, ciertamente, era un tipo que caía simpático, sencillo, llano (plano, incluso) y de apariencia campechana.
  4. que intentando encontrar algo de él por la red, la mayor parete de sitios (páginas de fans oficiales etc.) estaban, a estas horas, colapsadas.
  5. que deseamos descanse en paz, El Fary, esté donde esté ahora.

19 junio 2007

The Sandman 13

Nuevo comentario en "sobre sandman".
Avanza la saga Estación de Nieblas en la colección de Morfeo, y si no entiendes un churro de lo que te cuento, lo explico todo en el blog del rey de los sueños.
Pincha en la imagen y arreglado.

15 junio 2007

más listo que el tebeo 9: dentro de la viñeta

  • Como el Guadiana, "más listo que el tebeo" va y viene, pero nunca desaparece (de momento, al menos). Tras un hiato generoso, vuelve ahora para el disfrute del lector de este blog. Quien quiera recuperar anteriores entregas, todas ellas están a su disposición desde ETIQUETAS, justo ahí, en la columna de la derecha, la que preside mi fiel retrato).


La viñeta es la unidad básica de la narrativa gráfica. Que nadie se engañe, no hablo de un cuadradito que contenga dibujos, pues hay multitud de formas de entender la viñeta, pero siempre, dentro del cómic, actúa como unidad narrativa básica. Contiene una información con significación propia aunque necesitada de sus adyacentes para constituír una idea completa. O no, porque sobre la función y usos de la viñeta se podrían escribir libros, lo que casi que no haremos en este post, no se preocupe el lector.
Así que dejémoslo todo en un símil que emparenta la viñeta a la frase o al párrafo, más o menos, y centrémonos ahora en sus aspectos formales. Porque, igual que el escritor mima la composición de la frase, el autor de historieta debe medir la de la viñeta. Hay una necesidad de harmonizar todos los elementos que engloba, hay que entender que la viñeta, en su evidente función narrativa, tiene que ser eficaz, y en su vertiente plástica buscar un determinado refinamiento (que no tiene nada que ver con dibujar bonito, como ya se apuntó en otro post).
Y tras la teoría, la práctica, o al menos los ejemplos: a continuación, sin más comentarios, una batería de viñetas seleccionadas sin demasiado detenimiento, siplemente según se me ocurrían nombres propios y los encontraba en Google. No hay cuidado, todos sirven para ver esa búsqueda de equilibrios compositivos, esa métrica del dibujo en historieta que tiene algo de poesía, de ritmo. Un tebeo se lee como quien lee una novela, pero también se puede observar, con detención, deleitándose en cada una de sus partes más mínimas. Suele ser tarea para relecturas, pero es gozosa y recomendable. Les pido ahora que se detengan en cada una de estas viñetas, que les pregunten ¿Qué me cuentas, cómo lo haces, qué veo en tí?. En cada respuesta, seguro, encontrarán un motivo de disfrute (intelectual, sensorial...)



Adrian Tomine




Christophe Blain




Bill Watterson






Druillet



Milton Caniff



Hermann

14 junio 2007

CIVIL WAR, de Millar y McNiven



Publicado en Mazinger

Era lógico que si DC Cómics planeaba una estrategia editorial como su Crisis Infinita, Marvel, su directo rival, orquestase su particular acontecimiento superventas, y si Dinastía de M ya supuso un éxito de ventas sostenido en cierta improvisación, era el momento de dar un golpe de efecto planificando con calma un crossover de impacto.
No nos engañemos, la razón de ser de Civil War es mercantil, batir cualquier intento de DC por encaramarse en las listas de ventas con su saga cósmica, una Crisis Infinita que puso patas arriba el universo de Batman y Superman y que trajo cola (en forma de nuevas sagas, nuevas colecciones, nuevos autores…). Actualmente, por cierto, Planeta está editando dicha saga y sus ramales.
Marvel, por su parte, tenía un as en su manga, una apuesta segura en Mark Millar, el guionista de superhéroes más “hot”, creador de los exitosos Ultimates. Autor astuto, de diálogos punzantes, de personajes ambiguos, guionista hábil y tramposo como los buenos magos. Él, en compañía de otros autores menos interesantes pero igualmente en la cresta, fue quien finalmente guioniza la excusa argumental idónea para encarar el crossover (serie que cruza a todos los personajes de una editorial) definitivo del siglo XXI, Así, la Guerra Civil no enfrenta a más peligros o enemigos que las ideas contrastadas: cuando se aprueba una ley de control de superhéroes (que propone salarios y entrenamientos para los super humanos, entre otras cosas) la comunidad en pijama se divide entre los partidarios y los detractores. ¿Qué pesa más, la ley o la ética? Y tú ¿de qué lado estas?
Lo inteligente del asunto, más que volver a saturar el mercado (lo que también ocurre, claro) de series paralelas y entrelazar todos las colecciones con la Guerra de Millar (y los lápices de McNiven), está en este planteamiento, un interrogante al lector desde una historia donde no hay realmente un enemigo, un equivocado o un peligro a batir. Aquí se debaten ideas (y como estamos en tierras de héroes, se debatirán a tortas).
Panini edita Civil War en una miniserie mensual de 7 capítulos en una doble edición, una de quiosco, más económica, y la mimada edición de librería con artículos complementarios y portada doble. Otra vez, el lector elige.

Como ven, se trata, esta vez, de un texto práctiacmente informativo, apuntando acaso un par de ideas que me parecen atractivas, pero destinado a lo principal para la página de Mazinger: animar al posible comprador.

Si me preguntan más, leído su primer número, mantengo que el tebeo se defiende como entretenimiento, que McNiven no es un dibujante demasiado dotado para la narración gráfica, que Millar es un tramposo de cuidado que sabe camelar al lector, y que como crossover puede resultar, si no se tuerce todo en venideras entregas, un tebeo decente, lo que en este tipo de producto es mucho decir (los crossover suelen ser ilegibles y absurdos, innecesarios y aburridos)

13 junio 2007

THE TWILIGHT SAD, Fourteen Autums and Fifteen Winters

The Twilight Sad empiezan a sonar con insistencia, a llamar la atención en los lugares de visita obligada, a gotear en diversos blogs y foros. Una nueva banda, casi de estreno (preceden un par de maxis) con un sonido abrumador, una voz de las que lucen y unas influencias bien asumidas.
Fourteen Autums and Fifteen Winters es una vitamínica lección de noise con matices folk, donde llaman la atención, en primera instancia, el feroz feedback de unas guitarras infatigables y el marcado acento escocés de su cantante. También el gusto por el detalle, que hace convivir los muros de ruido con suaves arreglos (de acordeón, por ejemplo). Sin embargo para quien “estodice”, aquí hay peros que alejan al disco del sobresaliente, y dejan deberes a la par que muchos logros, en una carrera que, ojo, aún está comenzando.
Es verdad que el desfile de nombres previos (Interpol, Boo Radleys, Mogwai) son influencias entendidas como puntos de partida, no como lastres, y que la música del Triste Crepúsculo ya posee una fuerza propia. También que hay temas para el recuerdo, como el himno noise That summer, at home I had become the invisible boy, la furia implacable de Talking with Firehworks/Here I never swoned (la más folkie, con su melodía de falda escocesa) o salidas de tono como el mantra Last Year’s rain didn’t fall quite so hard o el cierre, que da título al LP y homenajea al sonido del Glider de My Bloody Valentine.
Pero no menos cierto resulta que el tono excesivamente homogéneo (mucha torch song de fácil y agradecido crescendo épico) y un aire pelín ampuloso lastran el debut largo de The Twilight Sad.
En definitiva, por ahora merece la pena dejarse mecer por las guitarras volcánicas, los crescendos marciales, los aromas folk, el sonido exquisito y la excelente voz de deje escocés, y esperar que el futuro lime asperezas de un jardín que, a poco que lo cuiden, puede dar magníficos frutos.




Sin vídeos (lo reastreado no merecía la pena) pero con enlace a la página de la banda en Myspace, donde podréis escucharles varios temas del disco.

08 junio 2007

LSA ÚLTIMA PARTIDA, de Comés

Publicado en Mazingervigo

El de Comès es un nombre conocido para los degustadores de cómics europeos. Obras como Silencio o La Belette son clásicos de los ochenta de un autor que antepuso su poderosa personalidad a cuestiones comerciales. Dieter Comés es un autor con un poderoso mundo propio, arcano, rural, femenino y mágico. Es, también, un autor que mima sus trabajos, de obra escasa que parece macerar lentamente hasta que finalmente ésta le pide, a su autor, salir afuera en forma de álbum de historietas.
La Última Partida es su retorno tras seis años de silencio. En la segunda guerra mundial, un novato soldado americano debe mantener su puesto de vigilancia en Las Árdenas (lugar recurrente en Comés): un agujero a los pies de un crucifijo. Pero allí mismo descubrirá que no está solo, pues tres fantasmas lo acompañan: una calavera tuerta, un uniforme prusiano sin cuerpo que no hace ascos a la bebida, y un profesor que se manifiesta como un Jesús en la cruz. El trío juega su partida de cartas, conversa con cuervos, entabla amistad con el pobre soldadito, y tiñen de magia y cierto surrealismo bandarra y deslenguado un relato sobre los horrores de la guerra.
La curiosa trama luce en los pinceles del autor galo, que mantiene un diálogo de luces y sobras contrastadas de inspiración expresionista, que sabe ser sugerente antes que descriptivo y que sigue fiel a su dominio del blanco y negro.


07 junio 2007

LA JAVA BLEUE, de Sfar

Comentábamos aquí las bondades de Pascín, el grueso libro con que Ponent Mon ha editado los primeros seis volúmenes franceses de las andanzas de Pascín.

La Java Bleue es el septimo y último tomo (por tanto, no busquen más: seis editados en un señor libroco, y un último libro, este, que roza lo exquisito como objeto). Bien, a lo dicho entonces cabe añadir que si antes los titubreos y las genialidades campaban a sus gozosas anchas, en La Java sólo hay aciertos. El tono es perfecto, equilibrado, pero participando aún de esa vital sensación del libre gozo de lo espontáneo. La historia se enriquece, así como la figura del pintor, con nuevos matices como el paisaje idílico de Java y, lo más increíble en un sátiro como él, elenamorarse de una mujer.

Y, en fin, el empleo de un colorido directo, que bebe del fauvismo, del impresionismo e incluso del expresionismo, vuelve a rebelar que bajo los trazos nerviosos de Sfar tenemos a un artista inmenso, ya no sólo por su mundo, ese que transpira cada una de sus muchas obras, sino igualmente por un dominio de las artes gráficas, del dibujo, del color, de la planificación, que lo ponen otra vez en la cumbre y entre mis lecturas favoritas. Ésta, por cierto, es nuevamente lasciva y pícara, desordenada y plácida, obscena y reflexiva, e incluye una conversación en el parque entre el pintor y una viejita que pinta estatuas y no personas ni árboles, realmente deliciosa y profunda, con un final genial (Sfar, por cierto, es un brillante escritor, de diálogos maravillosos y prosa exacta).


Hay más Sfar comentado en Estodigo, hace tiempo (pincha aqui, si quieres leerlo)



04 junio 2007

ELVIS PERKINS: ASH WEDNESDAY



Parece que ya tenemos sorpresa de la temporada. Elvis Perkins debuta con Ash Wednesday, y lo hace con seguridad y firmeza, con Nick Drake y el Astral Weeks (Van Morrison) en el horizonte, y guiñando un ojo a Will Oldham y maich P. Hinson.
Es poner las cosas muy altas, claro, y Perkins está, como quien dice, en pañales. Bueno, no tanto. Las canciones de su largo han macerado en numerosos conciertos y ensayos, algunas datan de los primeros dosmiles, y en este tiempo Elvis Perkins las ha ido retocando tranquilamente, buscándoles su tono, enriqueciendo su textura. El resultado, un disco que no parece de principiante, unas melodías notables interpretadas con un gusto exquisito por una voz lustrosa, melancólica pero no abatida. Y los arreglos embriagan: a una escucha perezosa uno puede recordar Ash Wednesday como un disco de folk desnudo, pero realmente el despliegue instrumental es de órdago, y casi sin hacer ruido desfilan (siempre discretos y en su lugar exacto) violines y pianos, acordeones y trompetas, coros femeninos y chelos, vibráfonos y banjos.
Podemos pues terminar aquí, recomendando vivamente a Perkins, pero mejor dejamos para el final lo que habitualmente abre todo comentario sobre el cantautor: el hijo de Anthony Perkins (sí, ése) perdió a su padre en la adolescencia, víctima del sida, y a su madre, la fotógrafa Berry Berenson en 2001, ya que volaba en uno de los aviones que impactó contra las Torres Gemelas. Ya lo sé, ahora les apetece todavía más su música, ¿eh?. Tomate tomate...






Bien: según leo ( fiémonos, si tal), este primer vídeo del single Without Love está interpretado en directo. Desde luego, yo encuentro diferencias con la versión del Lp, aunque sean sutiles. Bien, bien...




02 junio 2007

LOST IN TRASLATION, de Sofía Coppola



Revisitar ayer Lost in Traslation me reafirma en mi buen recuerdo hacia la cinta de Sofía Coppola. Si es cierto que existen voces disidentes respecto a la hija de su padre y todo su cine, y si es verdad que se señala que la película que la encumbró es una reconversión post modernísima de films precedentes (se habla de Millenium Mambo, y creo recordar que se señala algo de la Nouvelle Vage, como descarados referentes), yo he vuelto a hacer en su círculo de esperanza dentro del aislacionismo. Además de lo hermoso de su discurso, he reparado en la belleza formal que sostienen a la película, esos numerosos planos generales que parecen buscar un efecto de tramoya en ese Japón de neones, tráfico imposible y edificios anárquicamente superpuestos.
Las interpretaciones, soberbias, han vuelto también a cautivarme. Scarlett Johanson, en su papel de pija con crisis existencial, está perfecta (un punto a su favor como personaje, el crecimiento personal que le supone el contacto con el cincuentón actor no supone un cambio en sus hábitos, sus fiestas en locales super-cool, etc). Y Bill Murray nunca estará mejor, pues su papel, un juego de espejos entre el personaje y la persona que lo interpreta, se beneficia de ese aire entre hierático y alucinado.
Por último, la música está bordada, es un alegato (otro más dentro de la película) a esa super ultra modernidad que debemos entender definitivamente como un signo de los tiempos. Lost in Traslation refleja tanto este nuevo siglo como Annie Hall los setenta o Tarantino los noventa. Y además, ofrece una historia, de necesidad, de comunicación, quien sabe si de amor, en la que, su gran virtud, nunca nos ofrece conclusiones ni respuestas. En definitiva, igual que podemos interpretar los murmullos ininteligibles que cierran la cinta, toda la relación entre los protagonistas es un campo abierto, una incógnita irresoluble o, cuanto menos, interpretable. Como el dichoso Monolito de Kubrik, uno puede acudir una y cien veces a las imágenes de Lost in Traslation y cada vez aportar un matiz, un significado complementario u opuesto a los que ya había advertido. Es lo mejor de esta película, además de la sensación plena, casi de paz, con la que se termina su visionado a los compases de la maravillosa Just Like Honey de The Jesus And Mary Chain.
Ah, y finalmente hay que recordar que Lost In Traslation supuso el despertar de Kevin Shields.




01 junio 2007

SGT. PEPPERS LONELY HEARTS CLUB BAND (cumpleaños feliz)


40 años cumple hoy.
Es sin duda el más importante disco pop de la historia, y uno de los mejores.
Es un ejemplo de algo ya escaso: la conjunción de éxito absoluto y calidad y compromiso artístico. Es un hito artístico del siglo XX.
Es la Banda del Club de los Corazones Solitarios del Sargento Pimienta. Hoy volveré a escucharlo (¿se les ocurre mejor motivo que su onomástica para volver a visitar La Banda?) . Como siempre, con las ganas de sorprenderme nuevamente, intentando acercarme a la sensación de su descubrimiento (¿cómo habrá vivido su increíble caleidoscopio sonoro, me pregunto, un veinteañero el 1 de Junio de 1967?) y, como siempre, volveré a flotar.
Celebren el asunto, si quieren. Al menos, pinchando en el vídeo.